Riflessioni
Hugues de Varine

Mezzo secolo di cambiamenti accelerati

Cominciamo da un breve inquadramento storico, necessario per capire a che punto siamo arrivati e per trarne gli insegnamenti del caso.

Il periodo immediatamente successivo alla Seconda guerra mondiale è stato caratterizzato da  un’ accelerazione della storia e da cambiamenti culturali, sociali ed economici assai bruschi, che hanno a loro volta implicato, tanto nei Paesi sviluppati che nei cosiddetti “Paesi in via di sviluppo”, delle reazioni spontanee in gran parte indipendenti dalle politiche pubbliche.

Fra questi cambiamenti, spesso aventi carattere di rotture vere e proprie, citerò come eventi particolarmente significativi le decolonizzazioni, la conquista dei diritti civili e la resistenza alle dittature, la trasformazione e la desertificazione del mondo rurale, le crisi industriali che vi fecero seguito, le migrazioni interne ed esterne, l’urbanizzazione incontrollata, le rivolte dei giovani, la globalizzazione.

Tra le reazioni provenienti dalla società in quanto tale (soprattutto da alcune categorie di persone, in larga parte riconducibili alle nuove classi medie) segnalo le manifestazioni consce e inconsce di nostalgia e la ricerca di punti di riferimento nel passato, considerato come un insieme di valori materiali o immateriali, cioè il patrimonio nelle sue varie forme.
Allo stesso tempo si è prodotta una profonda consapevolezza dell’interdipendenza tra il culturale e il naturale, tra l’essere umano e il suo ambiente, tra le esigenze di consumo e i limiti delle risorse disponibili, che costituiscono anch’esse un patrimonio, in larga misura non rinnovabile. Questa situazione ha fatto emergere un paradosso: il legittimo desiderio di condurre una vita migliore adesso, grazie ad una crescita apparentemente (n.d.t.) perpetua, e la consapevolezza del dovere di preservare le stesse opportunità anche per i nostri discendenti, cosa che presuppone la sostenibilità delle nostre decisioni e delle nostre azioni… [L'articolo è pubblicato integralmente da Simbdea qui]

 La proposta di una moratoria nell’apertura di nuovi musei fatta da De Varine è ripresa anche da ICOM – Italia in I musei al tempo della crisi. 

Propongo ancora il sondaggio:

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Alberto Garlandini, presidente di ICOM Italia, ha lanciato (30 settembre 2011)  ”sei proposte per una gestione sostenibile degli istituti culturali e per un progetto di rilancio del sistema culturale italiano”.

Mi piace pubblicarle perché sono uno spunto di riflessione importante.

I musei al tempo della crisi.

Sei proposte di ICOM Italia per una gestione sostenibile degli istituti culturali e per un progetto di rilancio del sistema culturale italiano.

Alberto Garlandini

Presidente di ICOM Italia

Venerdì 30 settembre si è riunito a Bologna il Consiglio direttivo di ICOM Italia: abbiamo analizzato la drammatica situazione che i musei e gli altri istituti culturali stanno affrontando e abbiamo ragionato su alcune proposte per affrontare la crisi con coraggio e innovazione. Le riassumiamo in questo appello che rivolgiamo a tutti i colleghi, ai decisori pubblici e privati e a quanti hanno a cuore la cultura e il patrimonio culturale del nostro paese.

La crisi e i suoi drammatici effetti

Già nel 2009 e nel 2010, nella Quinta e Sesta Conferenza nazionale dei musei d’Italia, avevamo rilevato come la crisi stava per colpire anche il mondo della cultura e dei musei e avevamo preso coscienza che ci aspettavano anni di difficilissima gestione. Ora i nodi della crisi economica e finanziaria, l’enorme debito pubblico e anni di mancato sviluppo del nostro paese vengono al pettine.

L’apice delle difficoltà non è ancora arrivato; abbiamo ragione di credere che nel 2012 e nel 2013 dovremo fronteggiare una ulteriore riduzione della spesa pubblica per la cultura, che si sommerà alla contrazione delle risorse delle fondazioni di origine bancarie e in generale dei soggetti privati.

Da tempo la spesa pubblica per la cultura è in diminuzione, ma stiamo assistendo ad una drammatica accelerazione di questa tendenza. Le amministrazioni pubbliche – statali, regionali e locali – fronteggiano i vincoli di un patto di stabilità che viene applicato in modo sempre più indiscriminato. Anche amministrazioni virtuose sono impedite nell’utilizzo di risorse che pure hanno a disposizione grazie alla buona gestione del passato. I tagli lineari ai bilanci pubblici spesso non distinguono gli sprechi dagli investimenti, le spese per l’effimero dalle spese per le strutture. Cominciamo a verificare in molte parti d’Italia che i capitoli dei bilanci pubblici dedicati agli istituti e al patrimonio culturale vengono azzerati.

Inoltre, la crisi finanziaria e degli istituti bancari ha pesanti conseguenze negative per gli istituti culturali. I soggetti privati non profit che, non dimentichiamolo, gestiscono il 40% dei musei italiani e una percentuale ancor maggior del patrimonio culturale, si trovano nella quasi impossibilità di accedere al credito, se non a tassi insostenibili.  Le fondazioni di origine bancaria, a fronte della crisi dei mercati finanziari e del valore delle loro partecipazioni, stanno riducendo in modo esponenziale le erogazioni sussidiarie a favore della cultura e degli istituti culturali. Ciò è molto grave. Mentre le sponsorizzazioni delle imprese non sono determinanti per la vita degli istituti culturali, in molte parti d’Italia la spesa culturale delle fondazioni di origine bancaria è stata decisiva per fronteggiare la contrazione della spesa pubblica. Qualcuno si era addirittura illuso che essa avrebbe potuto sostituire la contribuzione pubblica.  Oggi anche questa fonte sussidiaria di sostegno agli istituti culturali si sta inaridendo (o in alcuni casi si sta pericolosamente indirizzando al sostegno di eventi temporanei o di iniziative autoreferenziali), sebbene si stiano diffondendo interessanti modelli integrati in cui soggetti pubblici e privati compartecipano alla governance degli istituti.

La crisi non è un fenomeno passeggero e sta avendo anche per la cultura conseguenze strutturali che abbiamo il dovere di portare agli occhi dei decisori e dell’opinione pubblica.  I nostri istituti affrontano difficoltà strutturali di bilancio e, in assenza di strategie valide, non pochi di essi non sopravviveranno alla recessione. Si tratta in particolare di quelli più fragili, più dipendenti dai soli finanziamenti pubblici, specie se provenienti da una sola amministrazione, e quindi privi di una diversificazione delle fonti di entrata.

Ci sono preoccupanti segnali, che toccano persino Milano: a fronte dell’apertura del nuovo bellissimo Museo del Novecento, frutto di dieci anni di progettazione e di intenso lavoro, in poco tempo sono stati chiusi due spazi espositivi di grande pregio, quelli della Fondazione Mazzotta e della Fondazione Pomodoro. Si tratta di un netto impoverimento dell’offerta culturale della città considerata la più ricca d’Italia. Cosa sta avvenendo nel resto d’Italia? Purtroppo i processi sono così rapidi che ci mancano ancora dati sistematici.  A quanto ci risulta, la domanda di cultura resiste e sembra che nelle strategie adattive degli italiani di fronte alla crisi la spesa per la cultura non venga per ora sacrificata.  Siamo però certi che l’offerta culturale sta già ridimensionandosi.

Sei proposte di ICOM per fronteggiare la crisi

ICOM è consapevole che una strategia di attendismo e di arroccamento sia inutile. La crisi che attraversiamo è una terremoto di lungo periodo: aspettare che passi la nottata e stringere la cinghia non è una risposta sufficiente.

L’offerta culturale del nostro paese nei prossimi anni sarà duramente colpita e uscirà dalla crisi molto diversa da quella che conosciamo. Come cambierà? Anche nelle attuali difficili condizioni il cambiamento può essere positivo: molto dipenderà dalla nostra capacità di proposta e dalla consapevolezza e lungimiranza delle classi dirigenti e delle comunità.  Ecco sei questioni su cui ICOM propone di riflettere per un riorientamento delle nostre azioni e dei nostri comportamenti.

1. ICOM per un sistema culturale più cooperante e più integrato

Bisogna superare ogni illusione di farcela da soli, magari a scapito di qualcun altro. Una maggiore efficienza ed economicità di gestione dei singoli istituti è indispensabile, ma non è più sufficiente. E’ necessaria una nuova stagione di fattiva cooperazione tra le persone, gli istituti, le amministrazioni pubbliche e private.  Bisogna aumentare la capacità di agire in rete e di promuovere sistemi territoriali non a parole, ma nei fatti. Gestire in forma associata progetti e servizi culturali è utile, ed è arrivato il tempo di sperimentare con coraggio e rapidità nuove forme gestione dei musei e del patrimonio culturale. In molte realtà non è più sostenibile la vita separata di istituti e soggetti pubblici e privati; anche se nati e vissuti per anni autonomamente, oggi devono aprirsi all’integrazione con altri soggetti.  Fondazioni con scopi statutari simili non possono associarsi per sviluppare sinergie, eliminare duplicazioni e razionalizzare la gestione?  Musei, biblioteche ed archivi ed altri istituti culturali espressione delle stesse comunità, anche se di proprietà diverse, non possono integrare la gestione superando localismi, antiche abitudini, malintese specificità?

2. ICOM per la riorganizzazione e razionalizzazione dei sistemi culturali territoriali

In questi mesi iniziamo ad assistere alla chiusura di spazi  culturali, in modo totale o parziale, e alla riduzione di orari di apertura e di attività. Per ICOM non si deve subire un casuale ridimensionamento dei nostri istituti, bensì condividere un piano di riorganizzazione e razionalizzazione dell’offerta culturale, recependo a livello nazionale finalmente dopo 10 anni le linee guida indicate nel Decreto Ministeriale sugli standard di qualità.  Di fronte alla chiusura di istituti culturali, è indispensabile che le loro collezioni non vengano disperse, ma trovino luoghi adatti alla loro conservazione. Di fronte alla chiusura di spazi espositivi, occorre ottimizzare la gestione di quelli che rimangono disponibili sul territorio. Di fronte all’impossibilità di esporre permanentemente collezioni importanti, si devono programmare esposizioni temporanee che permettano di valorizzare anche quanto non è più visibile al pubblico. Si chiudono ospedali e servizi per gli anziani, si prevede il dimezzamento del numero dei treni in circolazione; a fronte di una tale realtà, è importante che la riorganizzazione dei sistemi culturali locali sia frutto di una consapevole riprogrammazione tecnica e politica, e non di tagli ciechi e automatici.

3. ICOM per una moratoria di nuovi musei

Va superata la convinzione aprioristica che ogni piccola comunità debba e possa sostenere la gestione di un museo.  Il 75% dei musei che visitiamo oggi non esisteva cinquant’anni fa e la nascita di nuove realtà è molto aumentata nei passati vent’anni.  Questa fase entusiasmante è terminata, non solo a causa della crisi.  D’ora in poi ci si dovrà più occupare dell’esistente che di aprire nuovi musei. ICOM propone che si apra una fase di intelligente stabilizzazione e riorganizzazione territoriale dei sistemi culturali. Che si abbandoni definitivamente la cattiva abitudine di recuperare edifici storici o di aprire nuovi musei senza un’analisi economico finanziaria della sostenibilità della loro gestione.  Che nuovi musei si aprano non per effimere ragioni di visibilità, ma solo come risultato di un serio lavoro di lungo periodo. Che siano uno strumento di rafforzamento dell’offerta culturale esistente e non del suo indebolimento, magari prosciugando le poche risorse disponibili.

4. ICOM per l’uso razionale delle scarse risorse e la rivalutazione delle spese per la gestione degli istituti culturali

In tempi di crisi, non possiamo più permetterci di disperdere le scarse risorse a disposizione; occorre ancor più che in passato concentrarle sugli istituti culturali permanenti e sulle loro attività.  Non è più tempo di iniziative improvvisate e senza impatti duraturi, né  culturali né economici. ICOM propone che ogni investimento e ogni risorsa disponibile siano valutati e messi in opera sulla base della loro capacità di lasciare sul territorio risultati concreti e permanenti.  In tempi in cui è messa in discussione l’esistenza stessa di molte reti culturali, ICOM non può approvare il fatto che milioni di euro pubblici e privati siano spesi per coprire i deficit di mostre ed eventi effimeri.

ICOM propone di rivalutare l’importanza delle risorse per la gestione corrente degli istituti culturali. In tempo di crisi, le cosiddette spese di funzionamento rappresentano un investimento; senza di esse sono impossibili anche tutte le indispensabili attività di razionalizzazione, recupero risorse e fundraising.

5. ICOM per la difesa del capitale umano

Il forte impegno dei professionisti e dei volontari dei musei per una gestione efficace ed efficiente, trasparente e competente deve corrispondere ad un impegno degli amministratori e dei decisori pubblici e privati per la difesa del capitale umano dei musei. Un museo senza direzione e senza personale è un museo morto, impossibilitato a contribuire alla vita e alla crescita  della comunità. I professionisti e i volontari sono un tesoro che non possiamo permetterci di disperdere. Sono le intelligenze che anche con scarse risorse permettono ai musei di proseguire le diuturne attività pubbliche.

6. ICOM per la sussidiarietà e per una riforma fiscale a favore degli istituti e delle attività culturali

Per ICOM occorre rendere più concreta la sussidiarietà e favorire al massimo la partecipazione volontaria e disinteressata dei cittadini e delle comunità, la sinergia tra azione pubblica e azione privata. Solo esse possono garantire nel tempo la sostenibilità dei musei e della gestione del patrimonio culturale.  Circa due milioni di italiani sono attivi continuativamente nel volontariato culturale e offrono uno straordinario contributo al PIL del nostro paese. Un numero crescente di italiani, di tutte le età, manifesta la volontà di riprendere in mano la gestione dei servizi e della “cosa” pubblica, senza rilasciare deleghe in bianco allo Stato. Questo incredibile impegno è ancora sottostimato.

ICOM chiede che la partecipazione dei cittadini sia sostenuta in ogni forma possibile. Abbiamo proposto che il 5 per mille dell’IRPEF venga destinato anche a favore degli istituti culturali. In questi giorni in cui si riparla di riforma fiscale, ICOM ribadisce che l’uso della leva fiscale per favorire la gestione del patrimonio culturale è ancora troppo limitato e condizionato dall’instabile volontà dei governi nazionali. ICOM si augura che la messa a regime di un effettivo federalismo fiscale crei a livello locale condizioni favorevoli per politiche fiscali di sostegno al non profit. Occorrono maggiori benefici fiscali per le donazioni liberali, ma anche per le attività professionali svolte gratuitamente a favore dei musei e del patrimonio culturale; e per rendere più efficace la leva fiscale si dovranno eliminare tetti e vincoli finanziari e sburocratizzare e semplificare radicalmente le procedure.

 

Un appello di ICOM per una risposta coraggiosa alla crisi

ICOM si oppone a quanti sostengono che in tempo di crisi la cultura, gli istituti e il patrimonio culturale sono un lusso al quale si può rinunciare. Al contrario, ribadiamo che proprio in tempo di crisi essi possono costituire delle risorse preziose e dei fattori competitivi di cui fare tesoro.  I musei del XXI secolo non sono più solo istituti di conservazione del patrimonio culturale e della memoria storica. Hanno una dimensione sempre più sociale e sono servizi pubblici al servizio delle comunità, producono e comunicano saperi, cultura, creatività. Sono agenzie per la mediazione culturale, per il dialogo interculturale, per la coesione sociale. Aprono le menti e aiutano a comunicare con il mondo. Danno nuova linfa alle identità e alle radici culturali; creano senso di appartenenza; potenziano le attrattive dei territori; migliorano la qualità della vita di quanti vi vivono e lavorano. L’Italia non ne può fare a meno.

Anche in tempi di crisi i musei producono risultati eccellenti e il 29 ottobre a Siena saremo orgogliosi di consegnare il Premio ICOM Italia a tre musei e a due museologi che si sono distinti  nel loro percorso professionale.

Non è il tempo dello scoramento o della lamentazione. E’ al contrario il tempo della responsabilità, della competenza, del rigore della condotta professionale, della coscienza degli obblighi che abbiamo nei confronti della società e delle sue necessità di crescita, economica, sociale, morale. Per questo ICOM, insieme alle altre Associazioni museali e alle Associazioni dei bibliotecari e degli archivisti è impegnata a costruire risposte positive alla crisi.

ICOM rivolge un appello affinché i professionisti e i volontari dei musei e degli altri istituti culturali, gli amministratori pubblici e privati, le fondazioni bancarie e di altra origine, gli sponsor e tutti quanti hanno a cuore il patrimonio culturale costituiscano – città per città, territorio per territorio – tavoli tecnici e politici per condividere risposte efficaci alle pressanti urgenze poste dalla crisi.

Consegniamo le nostre riflessioni e le nostre proposte a questo inderogabile impegno collettivo affinché il nostro paese riesca a rispondere alle difficoltà del presente con un grande progetto di ripresa, forte di quella cultura e di quel patrimonio culturale per cui l’Italia è famosa nel mondo.

Milano, 5 ottobre 2011

Sono inutili le tecnologie multimediali e interattive nelle mostre e nei musei?
Quando andiamo a visitare un museo quanti di noi si sentono attratti dal chiosco multimediale o dal video?
Le ormai immancabili postazioni multimediali fanno veramente gola ai visitatori?
I codici QR (Quick Response codes) vengono consultati da qualcuno?

Queste sono alcune domande oziose che mi sono posto visitando i musei e cercando di capire perché io stesso non fossi attratto da questi dispositivi. Come i miei due assidui lettori sanno, io sono appassionato di tecnologie e sono convinto della loro utilità in molti ambiti della vita comune. Perché visitando i musei questa passione spesso non si manifesta?

Ho cercato i motivi per cui io non sono interessato a questo tipo di approfondimenti e perché viceversa, le poche volte che mi capita, sono spinto a utilizzare questi strumenti.

Bighellonando per il web ho trovato alcuni autorevoli articoli che mi ha confermato alcune cose e chiarite altre. Come al solito la verità è molto semplice e la risposta ovvia. L’utilizzo di strumenti multimediali per aiutare e approfondire la visita è una risorsa se viene fatto con sapienza e professionalità. Al contrario appare un inutile dispendio di risorse.

AR (Realtà aumentata) QR code, solo per citarne alcuni, sono degli ottimi ausili di visita e possono rendere la visita molto più interessante e immersiva ma per esserlo devono essere ben pensati all’interno dell’esposizione. Come altri strumenti devono essere progettati insieme con gli altri apparati informativi per integrarli e arricchirli nella specificità del mezzo. Ad esempio, è necessario non solo preparare un QR code con un link ad un contenuto multimediale ma è importante che sia arricchito con una didascalia che indichi chiaramente cosa si potrà vedere. Ad esempio: “guarda come si realizza un affresco” oppure “ascolta il commento del direttore del museo”, “vedi le opere dello stesso artista presenti nei musei della provincia”, etc.

Questo è un piccolo esempio di cosa fare per fare uscire l’utilizzo di questo tipo di apparati dall’utilizzo esclusivo dei fanatici della tecnologia fine a se stessa, allargandoli ad un pubblico più eterogeneo interessato a approfondire i contenuti delle opere esposte. Molta attenzione deve essere posta durante la progettazione alla integrazione e alla usabilità di questi ausili per renderli integrati e immediatamente fruibili dal più grande numero possibile di visitatori.

Naturalmente il tutto deve essere accompagnato dal personale del museo che deve essere disponibile a spiegare, guidare, aiutare il pubblico a orientarsi nell’utilizzo delle tecnologie.

Visitors of the AR exhibition at MoMA

Nell’ottobre 2010, due artisti che lavorano con i nuovi media, hanno realizzato una mostra al Museum of Modern Art di New York. In pratica hanno inserito  numerose opere d’arte in diverse  gallerie e addirittura hanno aggiunto un nuovo piano (il  settimo) all’edificio del MoMA. Tutto questo senza l’autorizzazione dell’Istituzione e senza che la direzione e il personale ne fossero a conoscenza (almeno all’inizio).

No, non sono impazzito. Come avrete  già indovinato, questa cosa apparentemente impossibile è stata realizzata utilizzando la realtà aumentata (AR), sovrapponendo cioè elementi digitali su una visione dal vivo di uno spazio reale visto attraverso uno smartphone o un dispositivo simile.

I due artisti sono  Sander Veenhof e Mark Skwarek e la mostra si chiamava Augmented reality art invasion ed è stata concepita come parte del più ampio Conflux festival (dedicato alla psicogeografia) che si stava svolgendo a New York al momento.

Utilizzando uno specifica applicazione per smartphone chiamata Layar augmented reality browser, disponibile  gratuitamente per smartphone (iphone o android), i visitatori guardando le gallerie del museo attraverso il loro telefono cellulare visualizzavano, grazie al sistema di localizzazione GPS e alla connessione ad Internet, le opere d’arte virtuale collocate nelle diverse gallerie del MoMA.

I due artisti avevano invitato gli artisti di tutto il mondo ad esporre le loro opere in questo contesto.

Ecco un video che ci mostra quello che ho provato a raccontare:

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In questo caso si tratta di un intervento artistico  ”imposto” al MoMA.
Ma la Realtà Aumentata è qualcosa che i musei e le gallerie stanno iniziando a sperimentare al proprio interno. La mostra curata da Veenhof e Skwarek offre qualche idea di come una galleria potrebbe utilizzare la AR al fine di dare ai visitatori ulteriori contenuti interpretativi.

Le guide AR portano una nuova dimensione rispetto alle tradizionali guide audio anche se conservano uno dei grossi limiti di queste e cioè che ogni visitatore è solo con il proprio device.

Un esempio di utilizzo potrebbe essere quello di visualizzare l’artista che spiega la propria mostra muovendosi davanti alle proprie opere: Piero della Francesca che ci accompagna al museo civico di Sansepolcro ci parla delle proprie opere sarebbe una bella esperienza.

Ma la domanda che dobbiamo porci quando ci entusiasmiamo per le possibilità offerte dalle nuove tecnologie è se veramente queste aggiungono qualcosa alla nostra esperienza museale, se la arricchiscono oppure sono solo un qualcosa che si frappone fra noi e l’esperienza che stiamo vivendo, rendendola mediata e innaturale, privandoci così di un aspetto fondamentale della visita che è quello del coinvolgimento emotivo?  Cosa ci guadagniamo a guardare la realtà attraverso lo schermo di un dispositivo digitale? e cosa ci perdiamo?

La AR può ad esempio ricontestualizzare oggetti che, nel migliore dei casi,  sono collocati in spazi neutri ridando vita e senso a manufatti, reperti ma anche a opere d’arte nate per contesti diversi e collocate all’interno delle sale di un museo.

Come sempre credo che la risposta non stia nello strumento in se ma nell’uso che se ne fa.

Realtà Aumentata

A cosa può servire la realtà aumentata nei musei?

Può essere utile?

Ma soprattutto cos’è?

Per comprenderlo ecco una animazione a prova di dummies… e se lo capisco io…

Cappella Sistina: visitatori © Maurizio Peddis (fonte Flickr)

La visita virtuale della Cappella Sistina proposta dal sito ufficiale del Vaticano è ottima per visitare la Cappella per antonomasia senza muoversi dal proprio divano anche se la qualità dell’immagine non ha niente a che vedere con quella proposta da google Art Project.

Immagino che la musica proposta sia l’unica appropriata alla visione delle immagini sacre rappresentate nella Sistina ma perché diamine non e’ possibile disattivare l’audio?

…dicevo che non potendo sempre partire per vederli dal vivo adesso potete placare il vostro desiderio irrefrenabile di cose belle utilizzando il nuovo strumento messo a disposizione gratuitamente da Google:  Google art project

E’ veramente user friendly , bello, pieno di strumenti e opportunità divertenti e interessanti: si può visitare un museo percorrendolo come in google street view per poi cliccare su di un’opere e ingrandire i particolari fino a poter osservare particolari invisibili ad occhio nudo (anche se vi poteste avvicinare all’opera fino a toccarla con il vostro naso); oppure salvare la propria collezione (dettaglio per dettaglio, quadro per quadro) per poi poterla condividere attraverso social network o email, per ogni opera si può vedere cosa c’e’ dello stesso autore nel museo o anche le sue opere in altri musei … ma insomma, invece di provare a descrivere Google Art Project vi posto il video di presentazione fatto da Google stessa ma soprattutto provatelo, il video non disvela tutto:

Se poi anche a voi piace vedere cosa succede in cucina, come il cuoco prepara i piatti, allora un primo gustosissimo assaggio  ve lo fornisce questo dietro le quinte:

Museum of Fine Arts, Boston, William I. Koch Gallery, Photo © Tony Rinaldo

La terza volta che lesse il libro da cima a fondo fu quella sera, mentre tornava a Stockbridge. Avrebbe mai letto un altro libro ? Come, se non riusciva a deporre questo ?

In autobus cominciò a riflettere nel modo più immodesto su ciò che aveva scritto: su quello che aveva «cesellato». Forse a ispirare le sue riflessioni fu il cielo color indaco, rombante, sconfinato e carico di elettricità, che da Boston aveva seguito l’autobus lungo l’autostrada: davanti al finestrino i più bizzarri effetti teatrali alla El Greco, fuori un biblico temporale completo di fronzoli barocchi e dentro Amy curva sul suo libro, ancora inebriata dal senso di tragica grandeur che aveva assorbito dai veri El Greco visti quel pomeriggio al Museum of Fine Arts di Boston. Ed era esausta: il che, probabilmente, non nuoce alle fantasticherie. Ancora stregata dalle prime due letture di Het Achterhuis, era poi corsa al Gardner e al Fogg, dove, per coronare la giornata, la ragazza ebbra di se stessa con la robusta tintarella e il passo svelto era stata seguita da una buona dozzina di studenti della Harvard Summer School desiderosi di conoscere il suo nome. Tre musei, perche ad Athene preferiva dire a tutti la verità, più o meno, sul grande giorno di Boston. Al signor Lonoff intendeva parlare a lungo di tutte le nuove mostre che era andata a vedere dietro suggerimento di sua moglie.

Il temporale, i quadri, la stanchezza: nessuna di queste cose era veramente necessaria, tuttavia, per ispirare aspettative come quelle sorte in lei dopo aver letto per tre volte nello stesso giorno il diario pubblicato. Probabilmente sarebbe bastata un’immensa presunzione. Forse Amy era solo una giovanissima scrittrice che, in autobus, sognava i sogni di un giovanissimo scrittore.

(P. Roth, Lo scrittore fantasma, Torino, Einaudi, 2009, pp. 117-118)

SABATO decido di portare mia nipote (a Firenze per un anno di Erasmus) agli Uffizi. Siamo fortunate, non ci sono code! Agli Uffizi non esiste un guardaroba (siamo in un museo fra i più importanti al mondo??). Per tutta la durata della visita siamo costrette a portarci dietro cappotti e borse. Solo gli zaini devono essere lasciati all’ingresso. Per rendere la visita la più proficua possibile decido perla prima volta di noleggiare 2 audio-guide per 5,5o euro /cadauna. ‘Digitate il numero di sala e poi play”, ci viene detto. Non esiste un percorso obbligatorio agli Uffizi. Cerchiamo di seguire la numerazione delle sale, ma purtroppo non sempre il numero della sala è visibile. A volte rimane nascosto dalle porte o altro. Molte sale hanno 2 ingressi e spesso il numero viene riportato solo una volta.
La descrizione delle opere avviene per sale. Una voce maschile e una femminile si alternano.
La registrazione è piena di riferimenti di luogo, tipo: la tela di fronte a dove siete entrati, il quadro nella parete corta; a destra dell’ingresso, nella parete alla vostra sinistra etc. Prima di orientarsi ed essere certi di non aver preso per sbaglio l’altro ingresso passa metà della spiegazione e spesso bisogna riascoltarla quando finalmente si intuisce di essere davanti alla tela giusta. Le registrazioni comprendono anche tutte le opere momentaneamente non presenti in sala perché in restauro o perché altrove. Occorre un po’ di tempo per capire che l’opera che viene descritta nei minimi dettagli non è semplicemente visibile (Battaglie? Cavalli? Con tutta la buona volontà …. non riesco a scrutarli in nessuna delle opere presenti! !!). Domanda: ma perché non numerare ogni singola opera e registrare descrizioni singole? Digita il numero dell’opera e play, come si fa in tutto il mondo? Dopo aver speso 26 euro (i biglietto adulti + i studenti + 2 audio-guide) usciamo deluse e amareggiate dal museo che potrebbe essere fra i più importanti al mondo.

Brigitte Stetter Bagno a Ripoli”